Intérprete de larga trayectoria, Miriam Odorico se encuentra encarnando una adaptación de Pirandello bajo el nombre de Una. En esta entrevista la actriz repasa el proceso de construcción de este espectáculo que la encuentra como única protagonista. 

La actriz Miriam Odorico es conocida masivamente en el circuito independiente por su participación en ese éxito que fue La omisión de la familia Coleman, gestada en Timbre 4. También formó parte de proyectos como Las amargas lágrimas de Petra von Kant (de Rainer Werner Fassbinder en el Teatro San Martín), El tiempo en un violín (escrita y dirigida por Claudio Tolcachir) y Otoño e invierno (de Lars Noren con dirección de Daniel Veronese), entre muchas otras. En cine trabajó con directores como Eliseo Subiela, Antonio Ottone, Ariel Winograd, Marcos Carnevale o Sebastián Borensztein, y también participó en reconocidas series televisivas como El puntero, Farsantes, Las Estrellas, ATAV, Pequeñas Victorias o El encargado. Por estos días protagoniza UNA, unipersonal adaptado por el italiano Giampaolo Samà a partir de la última novela escrita por Luigi Pirandello, Uno, ninguno y cien mil.  

-¿Cuáles fueron los principales desafíos a la hora de encarnar este personaje que en la novela original de Pirandello es un hombre y aquí Samà cambia por una mujer? 

-No hubo desafíos ligados al cambio de género porque las problemáticas que enfrenta el personaje son universales y son cuestionamientos que no pertenecen a un solo género sino al ser humano en su totalidad. El desafío mayor, en este caso, creo que fue para el autor del unipersonal, para Samà que tuvo que traducir y adaptar semejante texto filosófico del Nobel siciliano. Para mí el reto, maravilloso para cualquier intérprete, fue el de dar cuerpo y voz a tantos personajes en una sola obra. Fue un trabajo minucioso y microscópico que solo se puede lograr de la mano de un director que tenga las ideas muy claras sobre lo que quiere representar y, por supuesto, que sepa transmitirlas. 

-¿Qué descubrimientos hiciste a lo largo de este proceso creativo, con un texto que está repleto de planteos filosóficos (como muchos trabajos de este autor)? 

-Cuando Samà me leyó la primera versión del texto inmediatamente sentí que esas eran las palabras que quería transmitir, las palabras que estaba buscando desde hace muchos años, palabras que calan hondo en nuestro inconsciente, nos cuestionan y siembran nuevas dudas acerca del ser, del querer ser y de cómo las miradas de los otros terminan completando o destruyendo nuestras convicciones. Me hizo pensar en qué delicada y efímera es la estructura de nuestro “edificio existencial”, en cuántas son las realidades que vivimos a diario: la nuestra y la de los demás. Verdaderas ambas. Construcciones accidentales y subjetivas y que duran un instante. Y finalmente, como una epifanía definitiva, darme cuenta, una vez más que todo esto es el material principal del trabajo del actor: la encarnación de otros, despojado de todo juicio. 

-¿Qué resonancias tiene en la actualidad la idea de alteridad, es decir, cómo se percibe unx misma y cómo somos percibidxs por los otros? 

-La contemporaneidad digital que vivimos amplifica y redobla los cuestionamientos filosóficos planteados en la obra. Pantallas, perfiles, avatares, y aplicaciones varias simulan nuestras efímeras vidas en el intento, destinado al fracaso, de embellecer nuestras simples existencias. Más intentamos construir y más nos alejamos del objetivo principal: disfrutar de la experiencia de vivir. Sobredosis de endorfinas son diariamente enviadas a los lugares más recónditos de nuestro ser. Bajamos las cabezas, literalmente, arrodillándonos frente a los nuevos dioses de la contemporaneidad: nuestros aparatos celulares. 

-¿Cómo hiciste para recrear todos esos personajes en un solo cuerpo y de qué recursos te valés para darle cauce a todas esas criaturas? 

-Construimos el unipersonal teniendo en cuenta cada energía, mirada, tono y volumen de voz, distancias entre personajes. La estructura de la obra está compuesta por dos órdenes de narración. Por un lado, un largo flashback que es el relato en primera persona que la protagonista hace de la sucesión de los eventos a lo largo de la obra. Por otro lado, un segundo orden de narración que interrumpe y completa éste relato con la representación grotesca de los eventos ocurridos. Fue un largo y minucioso trabajo de construcción casi coreográfica para componer una partitura de movimientos y gestos que dieran al espectador los códigos para descifrar, de la forma más clara posible, la recepción e interpretación de una historia llena de personajes que conviven en un solo cuerpo y al mismo tiempo. El resto lo completa una puesta de luces minimalista. Nuestra guía fue una cita atribuida al arquitecto alemán Mies Van der Rohe “Less is more” (Menos es más). Un concepto que en realidad es del artista estadounidense Adolph Reinhardt (conocido como Ad Reinhardt): “Mientras más cosas contenga, cuanto más ocupada sea la obra de arte, peor será. Más es menos. Menos es más. El ojo es una amenaza para despejar la vista. Desnudarse es obsceno. El arte comienza con la eliminación de la naturaleza.” 

Por Laura Gómez 

Sábados 20:00hs en Teatro Timbre 4 (México 3554) 

Dramaturgia y dirección: Giampaolo Samà  

Actuación: Miriam Odorico